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Teatro y Danza / Dance & Theatre

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20 años de dos trallazos

Publicado 04-12-2016



 

PULP FICTION

Abucheos, gritos y algunos aplausos se escucharon en el Palacio de Congresos de la Croisette cuando Clint Eastwood, Presidente del Jurado, leyó que la Palma de Oro iba para Pulp Fiction en detrimento de Rojo, la tercera película de la trilogía sobre los valores de la Revolución Francesa de Kieslowski y gran favorita de esa edición del certamen galo. En su debut, Reservoir Dogs, Quentin Tarantino sorprendió al mundo contando las vicisitudes de un grupo de delincuentes que se reúnen en una casa luego de un golpe fallido a una joyería. Sin embargo, es en su segunda película, Pulp Fiction, donde va a llegar a la cúspide de los grandes realizadores. En este film ya se pueden ver algunas de las obsesiones que acompañarán a su director durante toda su obra: la violencia cruda, las referencias a la cultura popular norteamericana, la música de los sesenta y los diálogos casuales que normalizan la actitud y la forma de ser de los personajes que los enuncian. Resucitando a John Travolta y otorgándole a Bruce Willis la oportunidad de construir un personaje serio, Quentin Tarantino, narra de forma deconstruida, la vida de unos gangsters en la ciudad de Los Angeles. En la memoria colectiva nos quedan la primera y última escena de la película donde Tim Roth y Amanda Plummer charlan en una cafetería, la conversación en el coche entre Jules y Vincent Vega sobre los nombres que adquieren las hamburguesas de comida rápida en los diferentes países o la famosa escena del baile entre John Travolta y Uma Thurman con música de Chuck Berry. El director logra divertirnos durante más de dos horas con unos diálogos ocurrentes, una banda sonora elegida exclusivamente para la ocasión, unas actuaciones memorables y unos personajes increíbles donde, como nos mostrará a lo largo de todo su cine, los malos no son tan malos y los buenos no lo son tanto. La película fue un éxito de público y crítica que cosechó siete nominaciones a los Oscar alzándose con el de Mejor Guión. A más de veinte años de su estreno, su visionado es obligatorio para cualquier cinéfilo.

 

TRAINSPOTTING

Reino Unido, 1996. El gobierno de John Major (y de los tories), estaba llegando a su fin. Oasis había superado a Blur en los Brit Awards y el Manchester United volvía a ganar la liga. En este contexto, Danny Boyle, que impresionó al Festival de San Sebastián un par de años antes con su debut cinematográfico, Shallow Grave, firma su segunda película, Trainspotting. Basada en la novela del escritor de culto Irvine Welsh, cuenta la historia de cinco jóvenes británicos adictos al alcohol y las drogas que intentan sobrevivir en un mundo cambiante que no los comprende. El film narra, con ritmo frenético y directo, el estilo de vida de un sector marginado de la población británica como consecuencia de las políticas aplicadas por el Partido Conservador durante más de quince años. El director, acompañado de una banda sonora asombrosa, donde destacan grupos como Primal Scream, Pulp, Brian Eno, Elastica y Blur, que seguirían siendo muy influyentes en la cultura musical de las islas durante las siguientes décadas, junto con un acento escocés incomprensible y una mezcla de actores casi noveles (Ewan McGregor) con otros con más tablas (Robert Carlyle), construye una obra maestra que retrata con certeza las dudas existenciales de la gente que no tiene nada que perder pero tampoco nada que ganar. La utilización de escenas violentas a la par que otras desagradables, cómicas o surrealistas, hace que los noventa minutos de su metraje se conviertan en un viaje muy placentero hacia un mundo horroroso. El film pronto se transformó en un éxito de público y crítica y deparó fama y fortuna para sus protagonistas y director. Hoy, a veinte años de su estreno, y a la espera de su segunda parte, recordamos a Trainspotting como una película que marcó un antes y un después en la forma de enfocar a la generación X y su relación con las drogas, erigiéndose en La Naranja Mecánica de los años 90.
 





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